10 películas ganadoras del Oscar que se consideran problemáticas en 2023

A medida que la sociedad evoluciona, los momentos de las películas que alguna vez fueron entrañables pueden comenzar a agriarse en el proverbial espejo retrovisor de la historia. Por ejemplo, cuando Sandy (Olivia Newton John) renueva todo su look y personalidad para complacer a su novio Danny (John Travolta) al final de Grease (1978). O el hecho de que los cuervos de dibujos animados en el clásico animado de Disney, Dumbo, se llaman literalmente “The Jim Crows”.

Incluso muchas películas ganadoras de premios de la Academia no han envejecido particularmente bien. A medida que se acerca la 94ª edición de los premios de la Academia el domingo 12 de marzo, aquí hay 10 películas ganadoras de un Oscar que se consideran problemáticas en 2023.

Green Book (2018)

Cuando Green Book, que ganó el premio a la mejor película en la 91ª edición de los premios de la Academia, llegó a los cines hace unos años, rápidamente se convirtió en un tema de conversación divisivo. La película, protagonizada por Mahershala Ali y Viggo Mortensen, disfrutó de un éxito temprano entre el público y navegó durante la temporada de premios, pero los críticos la atacaron por ser miope en su representación de las relaciones raciales.

Acerca de una amistad improbable entre un pianista negro de talla mundial (Ali) que estaba de gira por el Sur profundo en 1962 y su guardaespaldas, el portero ítalo-estadounidense Tony Lip (Mortensen), Green Book fue criticado por inexactitudes y representar al personaje de Ali, el Dr. Don Shirley, como un arquetipo de “negro mágico” cuyo objetivo principal en la película es mejorar a un hombre blanco (Mortensen). “Las comedias de amigos estadounidenses generalmente exigen el mismo tiempo de pantalla para ambos personajes, excepto cuando uno de esos personajes es negro y existe casi en su totalidad para ayudar a transformar a su compañero blanco en una búsqueda hacia la salvación”, escribió IndieWire.

Dallas Buyers Club (2013)

Este drama biográfico narra la historia de Ron Woodroof (Matthew McConaughey), un paciente con sida diagnosticado a mediados de la década de 1980 que distribuye fármacos no aprobados a pacientes con VIH/sida. Uno de esos pacientes es la mujer trans Rayon, interpretada por Jared Leto, quien ganó el Oscar al mejor actor de reparto por su interpretación. Ahora, los críticos se han preguntado por qué se le ofreció el papel a un actor cisgénero (Leto) en lugar de a un actor trans. Además, algunos sintieron que el personaje no fue escrito como un ser tridimensional sino como un vehículo para que el personaje de Ron superara su homofobia y transfobia. “Rayon no es una persona, es una función”, escribió Paris Lees en The Independent en ese momento.

Annie Hall (1977)

Como película, Annie Hall ha sido elogiada históricamente como una de las comedias románticas más queridas del siglo XX; ganó cuatro Oscar en la 50ª edición de los premios de la Academia y la nominaron a cinco en total. Pero han sido años malos para su prolífico director Woody Allen, debido a las acusaciones recientemente reexaminadas de agresión sexual por parte de su hija adoptiva Dylan Farrow (Allen ha negado continuamente todas las acusaciones), y empeoraron con la docuserie de HBO Allen v Farrow, que ofrece una mirada más cercana a las acusaciones de décadas de antigüedad y la subsiguiente tormenta mediática.

Las acusaciones se han colado en una serie de películas de Allen, ganadoras de un Oscar o no: en particular, la nominada al Oscar Manhattan (1979) muestra al director, entonces de unos 40 años, en un relación con una estudiante de secundaria de 17 años (Mariel Hemingway). En Mighty Aphrodite de 1995, por la que la actriz de reparto Mira Sorvino ganó el Oscar, Allen, de 60 años, se enamora brevemente del personaje mucho más joven (aunque de edad legal) y tonto de Sorvino. Es un patrón que se repite una y otra vez, e incluso en Annie Hall: un tipo mayor pero mezquino y sin pretensiones se acuesta con una mujer hermosa, joven y, por lo general, bastante inocente. Tal repetición comienza a sentirse incómoda, en particular dadas las acusaciones de Dylan Farrow.

Además, varios actores y directores de Hollywood de primer nivel han denunciado a Allen en los últimos años. Kate Winslet, Colin Firth, Timothee Chalamet, Rachel Brosnahan, Rebecca Hall y Greta Gerwig se encuentran entre los nombres que lo han denunciado de manera pública. Sin mencionar el hecho de que Annie Hall tiene una línea de diálogo desechable sobre abusadores de niños, una de las muchas que aparecen en el trabajo del director a lo largo de los años. En conjunto, es difícil ver a Annie Hall de la misma manera.

American Beauty (1999)

Para empezar, la presencia del desacreditado actor Kevin Spacey (quien ganó un Oscar por su papel como Lester Burnham, el protagonista de la crisis de la mediana edad) definitivamente impide volver a ver American Beauty, que ganó cinco premios Oscar en 2000, incluidos mejor película, mejor director (Sam Mendes), mejor guion (Alan Ball) y mejor actor (Spacey).

En octubre de 2017, el actor Anthony Rapp acusó a Spacey de hacerle insinuaciones sexuales en 1986, cuando Rapp tenía solo 14 años. Tras las acusaciones de Rapp, más hombres denunciaron que el actor de House of Cards les había hecho insinuaciones no deseadas y también los había acosado sexualmente. Spacey negó las afirmaciones. La demanda de Rapp contra Spacey fue desestimada el año pasado, y un jurado de Nueva York concluyó que Spacey no abusó de Rapp.

La película también ha envejecido mal por su representación del enamoramiento inapropiado de Lester por la mejor amiga adolescente de su hija (Thora Birch), interpretada por Mena Suvari. La película, por supuesto, no transmite que el enamoramiento esté bien o aceptado. Pero las muchas escenas en las que Lester fantasea con Suvari, que está desnuda y cubierta de pétalos de rosa, hicieron que los críticos la compararan con una figura tipo “Lolita”. Roger Ebert escribió en ese momento: “¿Está mal que un hombre de unos 40 años sienta lujuria por una adolescente? Cualquier hombre honesto entiende lo complicada que es esta pregunta. Sin duda es incorrecto desde la perspectiva moral y legal. Pero como toda mujer sabe, los hombres nacen con un cableado que va directamente desde los ojos hasta los genitales, sin pasar por los centros superiores del pensamiento. Pueden desaprobar sus pensamientos, pero no pueden dejar de tenerlos”.

Vale decir que el “lo siento, pero los hombres no pueden evitarlo” de Ebert tampoco ha envejecido bien.

The Silence of the Lambs (1991)

Otra película acusada de tergiversar la experiencia transgénero o genderqueer, la destacada película de terror The Silence of the Lambs, que ganó un Oscar a la mejor película, es criticada estos días por su interpretación del villano Buffalo Bill (interpretado por Ted Levine). Buffalo Bill es un asesino en serie que usa la piel de sus víctimas femeninas, conserva sus ropas y se viste como ellos.

Aunque la protagonista principal Clarice (Jody Foster) y su consultor canibal Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) intercambian un diálogo sobre cómo a) Bill no es transgénero y b) no hay vínculo entre la identidad transgénero y la violencia (incluso el director de cine Jonathan Demme aclaró que Bill no está destinado a ser trans), la intención a menudo se pierde en el público. Como la escritora de Vox TV, Emily VanDerWerff, tuiteó, “Conocer la intención de un trabajo no significa una m**rda, porque la intención es menos importante que el impacto. Y cuando la gente vio Silence of the Lambs, no escucharon ‘Buffalo Bill no es trans’. Vieron a un asesino en serie raro bailando con ropa de mujer”.

Driving Miss Daisy (1989)

“Cuando la m**rda de Driving MissDaisy ganó el premio a mejor película, fue doloroso”, dijo el director Spike Lee a New York Magazine en 2008. “Pero nadie habla ahora de Driving Miss Daisy“.

La película de 1989 protagonizada por Jessica Tandy y Morgan Freeman, basada en la obra de teatro ganadora del premio Pulitzer de Alfred Uhry, a menudo (y con razón) es criticada por su retrato demasiado simplista de las relaciones raciales en Estados Unidos a mediados del siglo XX. La historia de una maestra de escuela jubilada (Tandy) que vive en Atlanta y que emplea a un chofer negro (Freeman), Driving Miss Daisy ganó el premio a la mejor película en 1989. A pesar de su reconocimiento por parte de la Academia, numerosas personas, incluso Freeman, han atacado la película por ser bidimensional y sus estereotipos de personajes negros. En 2000, Freeman, quien obtuvo una nominación al Oscar por el papel, se refirió a la película como “un error” que lo llevó a ser encasillado como “noble, sabio, digno”.

The Help (2011)

Otra película con intenciones nobles, pero una visión demasiado simplista de las relaciones raciales es el drama de época de 2011 The Help, basads en la novela del mismo nombre. La película es merecidamente criticada por apoyarse en personajes blancos para contar historias de personas negras. Emma Stone interpreta a Eugenia, una aspirante a periodista en Jackson, Mississippi, que quiere escribir un libro desde el punto de vista de las empleadas domésticas negras de la comunidad, exponiendo el racismo al que se enfrentan regularmente al trabajar para familias blancas.

En los años transcurridos desde su estreno, Viola Davis, que interpreta a la empleada Aibileen Clark, expresó su pesar por protagonizar The Help y dijo que siente que “me traicioné a mí misma y a mi gente” y que la película fue “creada en el filtro y la cloaca del racismo sistémico”.

Además, la actriz Bryce Dallas Howard, quien también es protagonista, ha reconocido que The Help está “contada desde la perspectiva de un personaje blanco y fue creada por narradores predominantemente blancos”.

Forrest Gump (1994)

Los críticos levantan las cejas sobre muchas cosas en la comedia dramática de Robert Zemeckis ganadora de un Oscar, sobre un joven con problemas de aprendizaje (Tom Hanks) que resulta ser testigo de algunos de los momentos históricos más decisivos del siglo XX. La lista generalmente incluye la representación en Forrest Gump de personas con discapacidades de aprendizaje, manifestantes y veteranos de la guerra de Vietnam.

Sin embargo, el detalle más ofensivo es el tratamiento que la película da a la mejor amiga de Forrest, que sufre abusos de su padre de niña y pasa a vivir una vida de puro victimismo, actuando en bares nudistas, saliendo con imbéciles abusivos y, finalmente, contrayendo el sida y muriendo joven. Como dijo el escritor británico de GQ Matt Glasby, Jenny es “una figura clásica de madre, madonna, zorra” quien “en última instancia, redime a Forrest acostándose con él, engendrándole un hijo que es inteligente (y Haley Joel Osment) y luego, convenientemente para los fanáticos de las películas que terminan así, muriendo”.

Crash (2004)

El drama criminal de Paul Haggis arrasó en la 78ª edición de los premios de la Academia, obtuvo seis nominaciones y ganó tres a mejor película, mejor guion original y mejor edición de película. Sin embargo, Crash ha sido criticada por ser demasiado simplista sobre cómo retrata las relaciones raciales y los estereotipos raciales.

En 2009, al enumerar las peores películas de la década, el escritor de Atlantic Ta-Nehisi Coates dijo: “No creo que haya un solo ser humano en Crash. En cambio, tienes argumentos y propaganda que choca de forma violenta entre sí, impresionados con su propia extravagancia. (‘Oye, mira, soy un ladrón de autos negro al que le molesta que lo estereotipen’). Pero más que una mala película, Crash, ganadora de un Oscar, es la apoteosis de una especie de multiculturalismo irreflexivo, indiferente y nihilista”.

Gone With the Wind (1939)

Pocas películas han sido reevaluadas como Gone With the Wind. La epopeya histórica ganadora de 10 premios de la Academia de las 13 nominaciones que recibió, y que otorgó a Hattie McDaniel el reconocimiento de ser la primera mujer negra en ganar un Oscar, podría haber sido vista como progresista para su época, pero definitivamente no ha envejecido bien. (Muchos recordarán que cuando HBO Max la estrenó el año pasado, retiró brevemente la película de la plataforma y citó la necesidad de agregar “una explicación y una denuncia” de las representaciones de la película sobre las relaciones raciales. Y, por si sirve de algo, la película fue recibida con fuertes protestas por ser racista cuando se estrenó en la década de 1930). De hecho, incluso el cineasta John Ridley escribió un artículo de opinión para Los Angeles Times con la intención de cabildear para que retiren la película de HBO Max. “Es una película que glorifica el sur anterior a la guerra”, escribió Ridley, quien ganó un Oscar por el guion de 12 Years a Slave. “Es una película que, cuando no ignora los horrores de la esclavitud, se detiene solo para perpetuar algunos de los estereotipos más dolorosos de las personas de color”.

Kayleigh Donaldson de ScreenRant también opinó sobre las fallas históricas de la película, y escribió: “El Ku Klux Klan se muestra como heroico... Mammy, interpretada por Hattie McDaniel, fue vista como la ejemplificación del arquetipo Mammy, el estereotipo de una mujer negra hogareña que adora a su jefe/propietario blanco. La película pasa por alto la esclavitud en su conjunto; la Guerra Civil se considera una batalla por los valores tradicionales en lugar del derecho a poseer literalmente a los negros, y los esclavos que se muestran en la pantalla en su mayoría encajan en el estereotipo de esclavos de hombres y mujeres negros que estaban encantados con su suerte en la vida, vistos como demasiado irresponsables para trabajar y vivir en libertad”.

Este artículo se publicó originalmente en 2019

_{Traducción de Michelle Padilla}