CRÍTICAS. Un hombre-lobo discreto, una brasileña contra la dictadura y más estrenos de la semana

Los incendios no se han extinguido todavía, por lo que la ciudad de Los Ángeles sigue encontrándose en una situación sumamente delicada. Pero la industria cinematográfica, que se ha visto indudablemente afectada por el desastre, tiene que sobrevivir, y es razonable pensar que incluso las personas que han tenido que atravesar penurias durante este periodo -y que no se encuentren ahora mismo en situaciones de emergencia- se animen a acudir al cine para ver algunos de los nuevos títulos que comentamos en las siguientes líneas, y que incluyen a dos contendientes casi seguros para los Premios de la Academia.

WOLF MAN

Director: Leigh Whannell

Reparto: Christopher Abbott, Julia Garner, Sam Jaeger

Género: Terror

En teoría, los fans del terror deberían estar de plácemes. Semanas después del estreno de “Nosferatu”, el excelente ‘remake’ de uno de los clásicos más grandes del género, se lanza una nueva película sobre otro de los personajes esenciales de la escuela de los sustos, es decir, el hombre-lobo.

Pero las cosas no son tan simples. Pese a que el filme llega a las salas amparado por unos créditos en el área de dirección y de guión que no son para despreciables (le corresponden a Leigh Whannell, responsable de la estupenda “The Invisible Man” del 2020), el hecho de haber sido programada para el “mes muerto” de enero presagiaba ya que había nubarrones en el horizonte. Y no deja de ser así, aunque, en términos generales, se trata de una propuesta decorosa que se atreve a ofrecer uno que otro aporte interesante para la mitología licantrópica.

Más allá de la temática que maneja y del aspecto hiper violento que adquiere eventualmente, “Wolf Man” es, en buena medida, una historia de familia (ojo: no para toda la familia) que, en vista de lo que se esperaba, sorprende por su interés en los vaivenes emocionales atravesados por una pareja de clase media y su hija pre adolescente. Estos resultan normalmente válidos, y se aproximan incluso a veces a la sensibilidad ‘indie’, sobre todo cuando restringen los picos emocionales que terminan imponiéndose de manera innecesaria.

La joven pareja a la que nos referimos, conformada por Blake (Christopher Abbott) y Charlotte (Julia Garner), decide mudarse desde San Francisco hasta las montañas de Oregon con la finalidad de reparar su relación en deterioro, pero una vez allí, se enfrenta de manera inesperada y prácticamente inmediata al ataque inclemente de una criatura salvaje que arruina por completo sus planes de sanación.

Bueno, en realidad, no lo hace de manera tan inesperada, porque Blake, Charlotte y Ginger (asi se llama la hija, interpretada por Matilda Firth) han decidido mudarse a la casa del padre desaparecido del primero, pese a que Blake (que creció allí) se había enfrentado ya un monstruo semejante cuando era apenas un niño, lo que implicaba, por supuesto, que el lugar no era precisamente ideal para una familia o para una reconstrucción matrimonial.

Esta clase de incongruencias, que no son constantes pero son lo suficientemente evidentes como para resultar incómodas, interfieren en el legítimo curso realista planteado por Whannell desde el inicio del filme y se hacen por ello más evidentes de lo que hubieran sido en otros casos, sobre todo en los momentos en los que el realizador baja el ritmo y opta por una inclinación hacia el ‘slow burn’ que genera atmósfera, pero que permite también distinguir los agujeros en la trama.

El problema mayor de “Wolf Man” es que no cumple con las expectativas, que eran, por supuesto, superlativas; pero eso no lo convierte en una película mala -de hecho, es mucho mejor que dos de las entregas más conocidas sobre el personaje, es decir, la de Benicio del Toro y la de Jack Nicholson-. A fin de cuentas, logra combinar de manera convincente el terror, el suspenso y el drama; cuenta con una puesta en escena particularmente atractiva, llena de creativos juegos de encuadre y experimentaciones con la luz; maneja sin problemas -aunque sin deslumbrar- una serie de efectos que parecen más orgánicos que digitales; cumple por todo lo alto en el área del ‘gore’, y se atreve incluso a hacer unos cambios en la tradición que tienen sentido en términos fisiológicos.

I’M STILL HERE

Director: Walter Salles

Reparto: Fernanda Torres, Selton Mello, Guilherme Silveira

Género: Drama histórico

Fernanda Montenegro se convirtió en la sorpresa mayor de los Globos de Oro al llevarse a casa el premio a la Mejor Actriz en una Película Dramática por su papel estelar en “I’m Still Here” (“Ainda Estou Aqui”), y eso debería ser suficiente para que sea al menos nominada al Oscar en la categoría correspondiente.

Si esa no es una razón de peso para ir a ver la cinta brasileña que se estrena este viernes en las salas AMC The Grove 14 y Lammle Royal de Los Angeles, debería serlo el hecho de que esta fue dirigida por Walter Salles, el celebrado realizador de “Central Station” (1998) y “Diarios de motocicleta” (2004), quien decidió ahora regresar a su época de infancia para recrear uno de los episodios más funestos de la historia contemporánea de su país: el que lo encontró sometido a una dictadura militar que se extendió a lo largo de 21 años.

Lo hizo tomando como referencia un libro autobiográfico escrito por Marcelo Rubens Paiva, hijo de Eunice y Rubens, la pareja de esposos de Río de Janeiro que, a inicios de los ‘70, se vio profundamente afectada por la desaparición del primero, lo que obligó a Eunice a ocuparse de la familia entera (Marcelo tiene nueve hermanos y hermanas) mientras trataba de recuperar lo que quedara de su marido, a pesar de que el mismo régimen que lo había secuestrado se mantenía de pie.

La película cubre mayormente un cuarto de siglo, fuera de una breve escena final que se desarrolla hace una década y que, curiosamente, incluye una participación especial de Fernanda Montenegro, madre de Torres y ganadora por cuenta propia de un Globo de Oro -el primero para Brasil en la Historia- por su actuación en la citada “Central Station”.

Más allá de sus méritos artísticos y de la increíble actuación de Torres -que acaba de recibir un Globo de Oro en la misma categoría que su madre- como una mujer estoica pero abnegada que se negó a mostrar su dolor en público, “I’m Still Here” sirve como advertencia para los espectadores que se dejan seducir por líderes autoritarios con el potencial de cometer barbaridades o de provocar que otros las cometan.

Visualmente, estamos ante un trabajo cuya vitalidad se hace presente en una cinta filmada en 35mm que recurre mucho a la ‘steady cam’ para seguir a sus personajes, que incluye escenas en Super 8 para reconstruir momentos felices, que va variando su estética a medida que transcurre y que se encuentra llena de piezas musicales procedentes del revolucionario movimiento Tropicália. “I’m Still Here” se encuentra actualmente en la ‘shortlist’ del Oscar dentro del apartado de Mejor Película Internacional, y es de esperar que termine siendo también nominada en dicha categoría.

SEPTEMBER 5 

Director: Tim Fehlbaum

Reparto: Peter Sarsgaard, John Magaro, Ben Chaplin

Género: Drama histórico

Las duras experiencias que ha tenido que atravesar la comunidad judía durante la época moderna han sido representadas ampliamente en el mundo del cine. Sin embargo, “September 5”, que se estrena de manera limitada en salas de L.A., asume una perspectiva distinta que, sin dejar de aludir al mismo tópico, abre la puerta a dilemas morales y a temáticas que van mucho más allá del antisemitismo.

Y es que, a pesar de que la tragedia sucedida durante las Olimpiadas de 1972 había sido tocada ya en “Munich” (2005), el notable filme de Steven Spielberg, “September 5” la usa como telón de fondo -sin que esto signifique minimizarla- de un relato que interroga la cobertura en vivo de los mismos sucesos por parte de la cadena estadounidense ABC, cuyos representantes se encontraban radicados al lado de la villa en la que se produjo el secuestro y en la que se desarrolló la mayor parte del incidente.

Empleando esa clase de mirada comprensiva, pero a la vez calmada, que solo puede provenir de una persona que no pertenezca a los grupos sociales y nacionales que aparecen representados, el director suizo Tim Fehlbaum (“Tides”) logra una reconstrucción particularmente vivida y profundamente realista de lo que significó la transmisión de los hechos -que se extendió a lo largo de 22 horas y que fue hecha enteramente por un equipo dedicado a los deportes y no a las noticias- desde la sala de control de la televisora, manteniendo el dinamismo y la exasperación de esos momentos con el uso de una cámara en mano que nunca llega a abrumar y de una textura visual que le rinde homenaje a la estética cinematográfica de los años ‘70.

Pero lo hace también a través de una multitud de personajes que, en desmedro de su abundancia, se encuentran bien construidos, aunque el foco de atención se encuentra tanto en Roone Arledge (Peter Sarsgaard), Geoffrey Mason (John Magaro) y Marvin Bader (Ben Chaplin), empleados de ABC en esos momentos, como en Marianne Gebhardt (Leonie Benesch), una traductora nativa del país huésped que, pese a ser una figura ficticia, ofrece el contrapunto perfecto al representar de un modo u otro a la conciencia alemana atormentada todavía por las atrocidades del Holocausto, un genocidio inconmensurable que, como se describe en más de una ocasión en el transcurso de la cinta, terminó menos de tres décadas antes de los hechos aqui contados.

En ese sentido, y con todo lo modesta que fue en términos de producción, “September 5” lidia de manera sobresaliente con la cuestión de época, sin dejar de lado la inmensa tragedia que devastó al equipo israeli y que, en el plano visual, se encuentra mayormente representada por un material de archivo que no desentona nunca con el resto del metraje.

La película se encuentra ya en la ‘shortlist’ del Oscar a la Mejor Película Extranjera y, según los analistas, más allá de asegurar su posicionamiento en la candidatura final, podría incluso encontrar cabida en la categoría de Mejor Película, es decir, la más notoria del evento.

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Este artículo fue publicado por primera vez en Los Angeles Times en Español.