CRÍTICAS. Un Nicolas Cage despiadado, un Joaquin Phoenix atormentado y más estrenos en salas de cine

En medio de una temporada del año que se niega todavía a ceder ante los avances del calor, la cartelera local se ve servida por una multitud de propuestas que transitan diferentes géneros, espacios y estilos, y que podrán ser disfrutadas por públicos de intereses diversos. Si quieres más detalles, no dejes de leer.

RENFIELD

Director: Chris McKay

Reparto: Nicholas Hoult, Nicolas Cage, Awkwafina

Género: Comedia de terror / Acción

Nicolas Cage había estado tratando de interpretar a Drácula durante muchos años, y “Renfield”, que se encuentra ya en cartelera (pese a que su estreno oficial es el 14 de abril), le ofrece la oportunidad de hacerlo en una película que no lo muestra en el papel protagónico y que es ante todo una comedia, pero que deleitará sin duda alguna tanto a los fans del terror como a los de un actor ya legendario que es amado y rechazado por su peculiar estilo.

Pese al carácter supuestamente secundario de su personaje, Cage llama la atención en un rol que, como era de esperarse, le daba carta blanca para apelar a todos sus excesos expresivos, pero que no se toma ni por asomo de manera ligera, construyendo en cambio a un Drácula atemorizante y siniestro con uno que otro momento brillante. En general, este es un trabajo efectivo, competente e increíblemente divertido donde las habilidades del sobrino de Francis no deberían resultar abrumadoras para nadie debido justamente a que él no es en teoría la estrella de la historia, lo que hace que transcurra un espacio de tiempo considerable entre cada una de sus intervenciones.

Para ser claros, el protagonista de la cinta es, obviamente, Renfield, el emblemático sirviente del malvado conde, quien se encuentra interpretado con solvencia por el joven britanico Nicholas Hoult (“Warm Bodies”, “The Menu”). Hoult ofrece una perspectiva novedosa del personaje, y no solo por su edad y su aspecto, sino también porque, en la adaptación escrita por Ryan Ridley sobre la base de una historia de Robert Kirkman (creador de “The Walking Dead”), este tiene dotes impresionantes para las artes marciales y, luego de integrarse a un grupo de terapia emocional, empieza a considerar seriamente la posibilidad de rebelarse ante un ‘jefe narcisista’ que lo ha llevado a caer en una ‘relación tóxica’.

La introducción de estos términos contemporáneas puede llevar a creer que la historia hubiera funcionado perfectamente como una de esas irreverentes series para la pantalla chica que se han empezado a producir con inusitada frecuencia en los últimos años, y que no merecía quizás plasmarse en una producción cinematográfica propiamente dicha; pero el director Chris McKay (“The Lego Batman Movie”, “The Tomorrow War”) genera tantas risas, tiene una mano tan buena para la acción y posee un talento visual tan desarrollado que el resultado de sus esfuerzos merece definitivamente verse en una sala de cine, alrededor de personas que disfruten del mismo modo de la aventura y que la celebren ruidosamente.

BEAU IS AFRAID

Director: Ari Aster

Reparto: Joaquin Phoenix, Patti LuPone, Nathan Lane

Género: Terror / Comedia negra

Con solo dos largometrajes en su haber (“Hereditary” y “Midsommar”), Ari Aster logró convertirse no solo en uno de los cineastas más celebrados del género de terror, sino en uno de los directores más llamativos del cine estadounidense de corte independiente debido al inconfundible estilo de sus trabajos, a la calidad de sus puestas en escena y a la ferocidad de sus relatos, cargados de simbolismos y de elementos perturbadores que quedan en la mente del espectador mucho después de que este abandona la sala.

En ese sentido, las expectativas que tienen sus fanáticos ante el estreno de “Beau is Afraid”, su primera colaboración con el ganador del Oscar Joaquin Phoenix, no podrian ser mas altas, y luego de ver la cinta (que se podrá encontrar en salas selectas de Los Ángeles y Nueva York desde mañana, antes de expandirse al resto del país a partir del 21), estamos en condiciones de decir que los adeptos a su particular sensibilidad fílmica tienen mucho que celebrar, aunque el verbo resulte difícil de aplicar en una propuesta que, como suele suceder con la obra entera del realizador, no resulta necesariamente gozosa.

En realidad, “Beau is Afraid”, donde Phoenix interpreta a lo largo de tres horas a un sujeto ansioso perseguido sin tregua por la mala suerte y atormentado por la relación de dependencia que tiene con su exigente madre, pone constantemente a prueba la tolerancia de la audiencia con la implementación de una serie de hechos que resultan a veces hilarantes pero que pueden ser también increíblemente estresantes, dependiendo de las experiencias de vida de quien las vea y de lo mucho que se identifique con un personaje que, durante toda la primera parte de la película, se ve enfrentado a miserables condiciones de existencia y al acoso de unos ‘homeless’ violentos que concuerdan de manera cada vez más cercana con circunstancias no necesariamente ajenas.

Considerando incluso que los sufrimientos de Beau puedan resultar cómicos en vista de lo excesivos que son, Phoenix -quien ofrece una actuación memorable- interpreta todo con una convicción y un sentido del dolor que los vuelve particularmente conmovedores, lo que forma probablemente parte de la estrategia de un Aster que nos confunde todavía más con lo que viene después, cuando el pobre tipo, ya seriamente lastimado, cae en manos de una pareja sobreprotectora antes de conocer a una tribu de huérfanos del bosque que lo incita a meterse literalmente en una impresionante escena de dibujos animados creada por Cristóbal León y Joaquín Cociña, los artistas chilenos que dirigieron el aclamado -y oscurísimo- largometraje “La Casa Lobo”.

Pese a lo dicho, “Beau is Afraid”, que incluye también numerosos ‘flashbacks’ en los que vemos al protagonista de niño al lado de su madre (estupendamente encarnada por la leyenda de Broadway Patti LuPone) y secuencias marcadas profundamente por el surrealismo, termina siendo la película menos complicada del director en términos de metáforas, lo que puede ser contradictorio en vista de sus ambiciones y de lo accidentado que resulta el camino que transita.

Sin embargo, ante tanta belleza visual -cada plano está meticulosamente planeado-, y teniendo al frente una interpretación tan maravillosa como la de Phoenix, no queda otra cosa que someterse a los designios de un trabajo con deudas indudables a Charlie Kaufman (“Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, “Anomalisa”) y al “Brazil” de Terry Gilliam, por más tormentoso que sea el proceso.

MAFIA MAMMA

Directora: Catherine Hardwicke

Reparto: Toni Collette, Monica Bellucci, Sophia Nomvete

Género: Comedia de acción

El tema de la mafia no ha sido ajeno al universo de las comedias cinematográficas, lo que tiene sentido en vista de que incluso los proyectos más formales que se vinculan al fenómeno han venido acompañados por momentos hilarantes, sobre todo en el plano de los diálogos, como lo han demostrado “Goodfellas” (1990) y, por supuesto, “The Sopranos” (1999-2007). Sin embargo, con la excepción de “Prizzi’s Honor” (1985), se trata de películas que no terminan ocupando lugares excepcionales en la historia del cine.

En ese sentido, “Mafia Mamma”, que está ya en cartelera, no rompe la norma, aunque apela a detalles que marcan ciertamente una diferencia, empezando por la importancia que le da a las mujeres en diferentes puestos creativos: además de tener al frente a Toni Collette (“Little Miss Sunshine”, “United States of Tara”) y a Monica Bellucci (“Malèna”, “Irréversible”), se encuentra dirigida por Catherine Hardwicke (“Thirteen”, “Twilight”) y se desarrolla sobre la base de un guión inspirado en una idea original de Amanda Sthers (“Madame”).

Por ese lado, y a pesar de sus inesperadas incursiones en el ‘gore’, la cinta llamará probablemente la atención de un amplio sector del público que no suele sentirse atraído por unas propuestas que, históricamente, han estado dirigidas a los hombres; no es gratuito que un personaje adolescente de “The White Lotus” haya dicho en la segunda temporada de la exitosa serie que la saga de “The Godfather” sigue siendo adorada por varones de cierta edad que se sienten castrados debido a los cambios actuales en la sociedad. En “Mafia Mamma”, los papeles cambian definitivamente de género, incluso en el caso de la figura emblemática del ‘consiglieri’, que pasa a manos de la impetuosa Bellucci.

La película complacerá también a los seguidores de la fantástica Collette, quien se muestra extremadamente efectiva en roles cómicos y que no deja nunca de resultar simpática mientras interpreta a un ama de casa estadounidense que, tras ser traicionada por su esposo, decide viajar a Italia para conocer a una parte de su familia con la que no estaba precisamente familiarizada y que, una vez allí, debe asumir inesperadamente un arriesgado puesto de liderazgo.

Lamentablemente, la prometedora premisa termina siendo desaprovechada en un relato que tiene ciertamente momentos logrados, pero cuya insistencia en los clichés y en la imposición de situaciones inverosímiles termina por quitarle brillo a una faena que, en todo caso, hubiera funcionado mejor si era presentada con el empleo de un tono mucho más farsesco que el que posee.

SUZUME

Director: Makoto Shinkai

Voces: Nanoka Hara, Hokuto Matsumura, Eri Fukatsu

Género: Animación / Fantasía

Con seis largometrajes en su haber, Makoto Shinkai se había convertido ya en uno de los directores de anime más aclamados de los últimos tiempos, hasta el punto de que su trabajo anterior, “Weathering with You” (2019) fue elegido como representante de Japón dentro de la categoría de Mejor Película Internacional en la contienda del Oscar (aunque no terminó siendo nominado).

Ahora, el mismo realizador trae a nuestras costas su séptima aventura fílmica, “Suzume”, una producción de alto vuelo que será particularmente disfrutada por los ‘otakus’ de rigor pero que tiene el potencial de atraer a audiencias más vastas debido a que, como sucede con los títulos anteriores del mismo autor, presenta una historia nueva y original que no depende de obras anteriores, y que, por supuesto, llega a la pantalla de la mano de un nivel de animación absolutamente exuberante.

En este caso, Shinkai nos presenta a una adolescente de la ciudad de Kyushu -la protagonista Suzume- que, luego de seguir a un joven desconocido -Sota- hasta un paraje abandonado, descubre la existencia de unas puertas que permiten el ingreso de una fuerza sobrenatural cuya única función parece ser la creación de terremotos devastadores y que continuará apareciendo en diferentes lugares a medida que avanza la historia.

Uniéndose eventualmente a un Sota que, curiosamente, ha sido transformado en una silla (¡!), y huyendo de la casa de su tía, quien se ha esmerado en cuidarla desde que era pequeña, Suzume inicia un recorrido que le da un aroma de ‘road movie’ a los trámites y nos permite conocer a toda clase de personajes, incluyendo al gato parlante Daijin y a varios ciudadanos de buena voluntad. En ese sentido, e incluso en medio de esa clase de alusiones a desastres naturales y ataques atómicos que se filtran tanto en esta clase de producciones, la película muestra una fe en la Humanidad que no cae mal en tiempos de tanto escepticismo.

RARE OBJECTS

Directora: Katie Holmes

Reparto: Julia Mayorga, Katie Holmes, Alan Cumming

Género: Drama

Aunque es ampliamente conocida como actriz de cine y de televisión, Katie Holmes es también una guionista y directora cuyos esfuerzos en estas áreas creativas se habían visto plasmados ya en dos películas: “All We Had” (2016), donde interpretaba a una madre soltera afectada por la crisis financiera del 2008, y “Alone Together” (2022), que la mostraba como una crítica gastronómica afectada por la cuarentena del Covid-19.

En “Rare Objects”, su tercer largometraje -y, sí, el segundo que dirige y escribe en dos años, esta vez, basándose en una novela de época de Kathleen Tessaro -, la artista decide cederle el rol estelar a otra mujer, aunque permanece en el reparto. En todo caso, lo más interesante para quienes nos leen es que la estrella del filme -que estará disponible desde este viernes en salas selectas y en Video On Demand- es una joven latina, Julia Mayorga, quien llega al proyecto tras haber participado en “American Rust”, una serie de Showtime que no recibió las mejores críticas pero que le ofreció un merecido espacio de lucimiento, según los comentaristas.

En este caso, Mayorga interpreta a Benita, una muchacha hispana de Queens con un trauma indeterminado del pasado que la ha llevado a abandonar sus estudios universitarios y a buscar asesoría psiquiátrica. Mientras trata de rehacer su vida y de lidiar con la complicada relación que tiene con su madre indocumentada (interpretada por la ‘nuyorican’ Saundra Santiago), Benita logra obtener cierta estabilidad cuando consigue trabajo en una tienda de antigüedades de gran reputación.

Lo que sucede con ella y con su camino de recuperación es lo suficientemente interesante como para sostener la historia entera, pero se ve complicado por el súbito regreso de Diana Van der Laar (Holmes), una ex compañera del centro de salud mental que al inicio del relato tiene un papel decididamente secundario, pero que poco a poco va cobrando mas y mas protagonismo, de la mano de una actriz/directora que, de manera probablemente inconsciente, termina acaparando la atención. Holmes es una gran actriz, y algunas de las escenas que comparte con Mayorga convencen plenamente en el plano dramático, pero su personaje es tan descontrolado y tan demandante que nos quita la oportunidad de conocer realmente a Benita.

Este artículo fue publicado por primera vez en Los Angeles Times en Español.