Explicando Hollywood: cómo conseguir un trabajo como director de fotografía para cine y televisión

A veces, cuando estás viendo una película o un programa de televisión, no puedes evitar darte cuenta de lo que está haciendo la cámara.

Tomemos, por ejemplo, la película "Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)”, que se cuenta en lo que parece ser una toma larga, como si los cineastas presionaran el botón "grabar" y, dos horas más tarde, tuvieran su película. Miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le dieron al director de fotografía Emmanuel Lubezki un Oscar por ese trabajo.

Sin embargo, la mayoría de las veces, la posición, el movimiento y el enfoque de la cámara son discretos. Y eso es por diseño. El punto, dijo el director de fotografía Shane Hurlbut, es que el trabajo de cámara y la iluminación amplifiquen las emociones que los actores traen a la escena. "Es como si lo hubieras subido a 11", dijo

Por ejemplo, señaló el romance adolescente de 2001 "Crazy/Beautiful". Para subrayar la interpretación que hacen los actores de los personajes que se enamoran, Hurlbut dijo que eligió tomas que estrecharon gradualmente el espacio entre los dos hasta que, desde el punto de vista de la audiencia, no quedó nada.

Nadie que vea la película va a decir: "Oh, Dios mío, ves que está reduciendo la brecha", dijo Hurlbut. "Pero vas a sentir eso". Estar obsesionado con esas sutilezas es lo que creo que es el arte de la cinematografía".

Para trabajar como director de fotografía (o director de fotografía, como también se llama el puesto), deberá saber mucho sobre cámaras, lentes, luces y otros aspectos técnicos del trabajo. Pero los profesionales dicen que el trabajo no se trata de tecnología, se trata de contar historias. Específicamente, se trata de ayudar a la audiencia a conectarse con la historia tal como la concibió otra persona: el director en el caso de una película, el showrunner en el caso de una serie de televisión.

“Estás tratando de encontrar imágenes que especifiquen lo que siente el personaje y encontrar formas de interpretarlo visualmente para que la audiencia se sienta de esa manera”, dijo el director y director de fotografía Michael Goi.

The Times habló con los directores de fotografía actuales y anteriores Goi, Hurlbut, Stephen Lighthill, Shelly Johnson, Kira Kelly, Jasmine Karcey, Charlie Lieberman, Tommy Maddox-Upshaw, Erik Messerschmidt, Arlene Nelson y Checco Varese, así como Chaim Kantor, director ejecutivo nacional interino del International Cinematographers Guild, sobre lo que se necesita para convertirse en un director de fotografía exitoso. Aquí están sus puntos de vista.

¿Quién se convierte en director de fotografía?

"Ante todo", dijo Karcey, "tienes que querer ser un narrador. Tienes que ser un narrador".

El director de fotografía ayuda a decidir cómo se iluminarán las escenas, dónde se colocarán las cámaras, en qué enfocarán y cómo se moverán. En esencia, el director de fotografía es la persona a cargo del punto de vista de la audiencia: cómo verá la historia que se cuenta.

Y es más que solo elegir los ángulos de la cámara y la composición de la toma. "Con el director, estás decidiendo qué tomas se van a fotografiar", dijo Messerschmidt, cuyo trabajo en "Mank" ganón un Oscar en 2021. "Estás decidiendo qué partes de una escena van a llegar a la suite de edición".

Naturalmente, un director de fotografía necesita comprender la tecnología y las técnicas involucradas. "Incluso si mueves la cámara solo unos centímetros o cambias una lente, cambiará la forma en que se retratará la historia", dijo Karcey. Los cambios menores en el color o la ubicación de la cámara pueden cambiar el estado de ánimo de una toma y transmitir algo diferente sobre cómo se siente un personaje.

Pero ser un maestro de la tecnología de las cámaras no te convertirá, por sí solo, en un buen director de fotografía, dijo Maddox-Upshaw. Señaló a Rick Rubin, un exitoso productor musical pero "no el mejor músico del mundo", como un ejemplo de cómo los instintos artísticos triunfan sobre el dominio técnico. "Si tienes un cierto nivel de gusto", dijo, "eso es por lo que la gente te paga".

Johnson dijo que las elecciones creativas y de narración que toma informan el lado tecnológico de un proyecto, no al revés.

Tener sentido común y la capacidad de pensar rápidamente son habilidades clave, dijo Hurlbut. Esto se debe a que un director de fotografía se enfrentará con frecuencia a desafíos inesperados en el set.

"La madre naturaleza puede ser asombrosamente hermosa y viciosa al mismo tiempo", dijo. "Tienes los mejores planes, y luego todo se convierte en un espectáculo [de terror]. Tienes que ser capaz de pensar rápidamente y elaborar un plan que una al equipo y que también continúe alimentando la visión del director y mueve la aguja hacia adelante".

Goi ofreció este ejemplo de una sesión nocturna hace algunos años. El plan era filmar un automóvil en un callejón usando luces montadas en un brazo hidráulico llamado cóndor, pero el sistema hidráulico falló en el último minuto. Así que Goi pidió que se colocara un tubo de luz fluorescente de 4 pies detrás del automóvil, convirtiendo el escape del automóvil en una fuente de luz cambiante. "En realidad, fue una idea mucho mejor que la que tenía originalmente", dijo.

Lighthill, quien es presidente de la Sociedad Estadounidense de Directores de Fotografía y director de la facultad de cinematografía del Conservatorio del Instituto de Cine Estadounidense, dijo que una gran parte del trabajo son las habilidades de las personas: poder liderar un equipo potencialmente grande de miembros de la tripulación mientras colabora con el director. y otro personal clave en el set. Al dar la bienvenida a los estudiantes de cinematografía a AFI, dijo, les dice el día 1 que se graduarán con una maestría en bellas artes en cinematografía, "pero deberían obtener un título en psicología".

"Definitivamente tenemos que ser grandes comunicadores", dijo Kelly.

Estar bien organizado también es útil, dijo Nelson. "Gran parte de esto es simplemente la capacidad de tener tantos balones en el aire y saber dónde están todos al mismo tiempo", dijo.

¿Cómo empiezas?

Aunque sus historias son todas diferentes, todos los profesionales dijeron que se afianzaron en la industria a través de una combinación de trabajo, suerte y voluntad de asumir riesgos.

Por ejemplo, Nelson era asistente de producción cuando consiguió una entrevista para una apertura de último minuto como asistente de cámara, un trabajo que nunca había hecho, trabajando con una cámara que nunca había usado. Así que pasó unas horas en una casa de alquiler con la cámara ("alguien muy amable allí me enseñó cómo cargarla") y su copia de "The Professional Camerman's Handbook". ("El manual del camarógrafo profesional". Ella dijo que fue honesta con el productor acerca de su inexperiencia, pero que consiguió el trabajo de todos modos.

No es necesario frecuentar una casa de alquiler para aprender sobre la tecnología involucrada en el trabajo. Gracias a Internet, existen abundantes recursos en Facebook, YouTube y otros sitios, incluidos grupos de discusión para diferentes tipos de equipos y videos instructivos de los fabricantes de cámaras, lentes y luces. Luego están los sitios basados en suscripción como la Filmmakers Academy de cineastas de Hurlbut, que ofrece clases en línea de cinematografía y otros trabajos de equipo. También está la revista American Cinematographer, cuyos artículos ofrecen instrucciones técnicas y puntos de vista de los tiradores sobre cómo lo hice.

Nelson dijo que las ferias comerciales Cinegear Expo también son buenos lugares para aprender sobre equipos, asistir a seminarios, codearse con profesionales de la industria y potencialmente convencer a una empresa para que le preste equipo de demostración para su próximo proyecto. "Es como si fueras un niño en una tienda de dulces", dijo.

Otro punto de partida es la escuela de cine o, a un costo considerablemente menor, la universidad comunitaria; muchas de las que se encuentran en en the área de Los Angeles ofrecen clases en varios aspectos de la cinematografía. Esos estudios también impulsarán su creación de redes, conectándolo con un grupo de pares que están tratando de comenzar en la industria, dijo Kelly.

Al igual que Nelson, la mayoría de los profesionales entrevistados pasaron varios años ocupando puestos de nivel inferior en uno de los tres equipos supervisados por directores de fotografía: agarres, que configuran el equipo y mueven las cámaras; electricistas, que alimentan y encienden un aparato; y operadores de cámara y su personal de apoyo. Estar en el set, dijo Maddox-Upshaw, te da la oportunidad de hacer preguntas, tomar notas y escuchar las discusiones que tienen los directores de fotografía con otros profesionales.

Las dificultades en el set pueden ser tan instructivas como los momentos en que las cosas van bien. "Un set de filmación es un salón de clases increíble si estás dispuesto a sentarte, escuchar y mirar", dijo Messerschmidt. "También es un tumulto de desinformación, confusión y frustración para aquellos que luchan por ver el bosque a través de los árboles".

En sus primeros días en el set, dijo, tomaba notas sobre las posiciones relativas de los actores y las cámaras, miraba lo que se filmaba y lo que se cortaba, y luego pensaba en cómo habían llegado los cineastas a ese lugar. En general, dijo, "las oportunidades educativas, si eres observador, son profundas. Solo tienes que dedicar tiempo".

Los profesionales destacaron lo importante que es conocer a otros en el negocio. "Aférrate a esas relaciones", dijo Maddox-Upshaw, porque nunca se sabe dónde terminará la gente. Por ejemplo, dijo que conoció a Gigi Causey cuando ella era supervisora de producción en "Straight Outta Compton" y él era director de fotografía de la segunda unidad. Pero pronto se convirtió en ejecutiva de producción en Fox, ayudándolo a conseguir el puesto de directora de fotografía para la serie de televisión de FX Network "Snowfall" en 2019.

"Cambió mi carrera", dijo, dando crédito también al guionista y director John Singleton.

Otra buena manera de hacer conexiones, dijeron los profesionales, es a través de comunidades en línea como Mujeres en el Cine y la televisión men in Film and TV en Facebook y el Colectivo Internacional de Mujeres Directoras de Fotografía. Este último ayuda a los miembros a mejorar sus habilidades, elegir los cerebros de los demás y promocionarse. "Es un grupo de mujeres realmente solidario", dijo Nelson.

Y luego están las prácticas. Kantor del Local 600 dijo que el sindicato se asocia con varios estudios que tienen programas de pasantías, incluidos Warner Bros. Discovery, AMC Networks y Sony Pictures, para colocar pasantes en producciones, brindándoles capacitación y horas de trabajo que podrían calificarlos para la membresía sindical. Los instructores de IATSE también trabajan con Hollywood CPR en un programa de capacitación asequible para cargadores de cámaras y trabajadores de servicios públicos digitales, entre otros puntos de nivel de entrada en el set.

Otro programa de Los Ángeles señalado por Kantor es ManifestWorks, que se dirige a las personas que han estado sin hogar, encarceladas o en hogares de guarda. ManifestWorks capacita a los afiliados para que sean asistentes de producción para varios departamentos y luego los conecta con oportunidades laborales.

What are the career paths?

Karcey dijo que hay una progresión natural desde las filas de los departamentos de cámara e iluminación hasta el director de fotografía. Una clave para avanzar, dijo, es comenzar a disparar todo lo que puedas y seguir haciéndolo.

"Lo que me digo a mí misma es que, mientras el [último] proyecto de pasión, el cortometraje, sea mejor que el cortometraje anterior, entonces lo estoy haciendo bien", dijo.

La Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos ofrece dos tipos de ayuda para los fotógrafos. Para los directores de fotografía que intentan avanzar en sus carreras, su programa Master Class presenta seminarios de cinco días impartidos por directores de fotografía veteranos. Estos se enfocan tanto en las habilidades técnicas como interpersonales exigidas por el trabajo, dijo Johnson, quien preside el comité de Clases Magistrales de la sociedad.

Una mejor opción para las personas que recién comienzan son los programas de mentores de la sociedad, que anualmente emparejan a 80 o 90 tiradores en diferentes etapas de su carrera con mentores voluntarios experimentados. Lieberman, copresidente del comité de Master Class, dijo que el programa ha puesto un énfasis especial en trabajar con personas subrepresentadas.

Goi, el otro copresidente del comité de Master Class, dijo que tener un mentor es una buena manera de aprender todas las relaciones entre las personas involucradas en una producción. "Casi todo lo que es técnico en nuestra profesión, en nuestro negocio, honestamente se puede aprender en un libro", dijo. "Lo que un libro y la escuela de cine no pueden enseñarte es la política del negocio, cómo funciona la industria desde un punto de vista político, quién hace exactamente qué en un plató, cómo se da luz verde a los proyectos".

How do you make money? (And what kind of money?)

Espere pasar varios años trabajando en la industria antes de que pueda dedicarse a tiempo completo como director de fotografía, dijeron los profesionales.

"Al principio, probablemente aceptarás trabajos [de director de fotografía] en los que no te paguen mucho. Tal vez solo te paguen en comidas y alojamiento", dijo Nelson. Pero agregó: "Tienes que saber cuándo detener eso". Si no te ganas la vida como director de fotografía después de unos cinco años, dijo, probablemente sea hora de encontrar una especialidad diferente.

Lighthill dijo que la mayoría de los estudiantes de AFI a los que ha enseñado están trabajando a tiempo completo como directores de fotografía dentro de cinco años. Pero durante el primer año o dos, dijo, "pueden tener un poco de dificultad" y tener que recurrir al trabajo más bajo en el departamento eléctrico o de cámaras. "Los inteligentes siguen disparando lo que pueden disparar", dijo, lo que les ayuda a conocer gente y construir su red.

Cuánto ganará depende de si el proyecto en el que está trabajando está cubierto por un contrato sindical. El Sindicato Internacional de Directores de Fotografía, o Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales Local 600, representa a todos en el departamento de cámaras de una producción, desde cargadores de películas y sus equivalentes digitales hasta directores de fotografía. Sus escalas salariales están ligadas al presupuesto de producción y distribución, pero para las películas filmadas en los estudios de Hollywood, el salario mínimo para los directores de fotografía es de alrededor de $4,000 por semana, más contribuciones a pensiones y beneficios de salud.

La gran mayoría de la producción de cine y televisión está cubierta por contratos sindicales, dijo Kantor, y esos trabajos generalmente no están disponibles para los tiradores no sindicalizados sin alguna dispensa especial. En cambio, dijeron los profesionales, las principales fuentes de empleos no sindicalizados son los videos musicales, los documentales y las películas de muy bajo presupuesto.

To join Local 600 on the West Coast, you'll first have to either do 30 days of work on union shoots within a year (which, again, is hard for nonmembers to do), or 100 days of union and non-union shoots within three years. Then you'll need to be placed on a roster of professionals maintained by the major studios, Kantor said, after which you'll be eligible for your union card.

Para unirse al Local 600 en la costa oeste, primero tendrá que hacer 30 días de trabajo en sesiones sindicales dentro de un año (lo cual, de nuevo, es difícil de hacer para los no miembros), o 100 días de trabajo sindical y no sindicalizado dentro de los tres años. Luego, deberá ser incluido en una lista de profesionales mantenida por los principales estudios, dijo Kantor, después de lo cual será elegible para su tarjeta sindical.

How is this career different than it was 10 or 25 years ago?

Los profesionales dicen que el trabajo es el mismo en un nivel fundamental, solo que algunas de las herramientas son diferentes. Las cámaras digitales son más livianas y fáciles de mover en formas que parecen desafiar la gravedad: piense en lo que podría hacer con un dron en lugar de una grúa o un helicóptero. La iluminación también se ha revolucionado, con los LED emergiendo como una alternativa menos consumidora de energía y más ajustable a las luces de tungsteno en las que la industria confió durante décadas.

Sin embargo, los últimos cambios en la tecnología, como la llegada de cámaras de alta resolución en los teléfonos, han abierto la puerta a muchos más cineastas que producen muchas más obras. Varese lo expresó de esta manera: antes del piano, puede haber muchos Mozart potenciales. Pero no fue hasta que existió el piano que realmente pudo surgir un Mozart.

Among the potential new Mozarts are kids from around the world in countries rich or poor, he said, who only need access to a computer and a phone or a point-and-shoot camera. "You don't need to go to Hollywood and get the camera and get the lenses and get the film."

Entre los nuevos Mozart potenciales hay niños de todo el mundo en países ricos o pobres, dijo, que solo necesitan acceso a una computadora y un teléfono o una cámara de apuntar y disparar. "No es necesario ir a Hollywood y comprar la cámara, los lentes y la película".

Maddox-Upshaw dijo que la tecnología también está facilitando que los jóvenes cineastas se promocionen a sí mismos, con sitios de transmisión de bricolaje y redes sociales que ayudan a los fotógrafos a mostrar su trabajo.

De la misma manera, dijeron los profesionales, la cinematografía se está volviendo menos blanca y masculina.

"En este momento es definitivamente diferente para mí", dijo Maddox-Upshaw, quien una vez fue "el único rostro negro en empuñadura eléctrica" en su sindicato en Massachusetts. "Pero no olvido los días con los que lidié, solo tratando de obtener una entrevista", y luego me dijeron que su carrete era "demasiado oscuro", como si tuviera demasiadas escenas con actores negros. Explicó que muchos cineastas quieren ver algo en su carrete que se parezca a la historia que están a punto de filmar, "lo cual es algo extraño, porque un director de fotografía realmente bueno puede filmar cualquier tipo de historia. Pero muchos cineastas Ya quiero ver su película a veces en tu carrete".

Kelly dijo que se encontró con el mismo problema. "Siento que hay un cambio real", dijo, y señaló que cuando se acerca a otras mujeres o negros DP, "definitivamente estamos trabajando". ¿Pero los números? "Ellos son horribles."

Eso es cierto en parte porque las personas con poder para contratar (productores, showrunners y directores) siguen siendo hombres blancos. Cuanta más diversidad en la cima, más diversidad habrá en las filas, dijeron los profesionales. O como dijo Kelly: "Es todo el asunto del goteo".

Durante los 12 años que ha estado en el negocio, dijo Karcey, "el mayor cambio que he notado es que las personas son mucho más conscientes de contratar de manera diversa". Cuando comenzó como asistente de producción, sería la única mujer entre aproximadamente 10 asistentes personales en el set. "Hacían que consiguiera refrigerios, y los muchachos ayudaban con los agarres... Sentí que nunca me iban a tomar en serio cuando comencé. He notado un gran cambio desde [entonces] porque la gente tiene miedo de cómo la ven".

De hecho, ha recibido llamadas de personas que dicen que están buscando una directora de fotografía, dijo, y agregó entre risas: "Tal vez algún día me llamen porque quieren una buena directora de fotografía".

¿Cuál es un mal consejo que los profesionales escuchan a menudo?

¿Alquilar o comprar? Algunas personas te dirán que tienes que tener una cámara, dijo Karcey. "Lo más probable es que esa cámara se vuelva obsoleta antes de que la pagues con los trabajos que obtienes de ella. Es mejor tener una buena relación con una casa de alquiler", dijo.

Premios: Varese dijo que algunas escuelas de cine "te dicen que el único camino al éxito es tener un Oscar en la mano".

"El camino al éxito no es el premio", dijo. "Es la felicidad que tienes dentro... Es el camino del logro".

Agentes: Kelly dijo que a algunos de los jóvenes DP a los que está asesorando se les ha dicho que no deben comunicarse con un agente, sino esperar a que un agente se comunique con ellos. "Esa es la peor idea que he escuchado", dijo. Cuando buscas representación, dijo, no hay nada de malo en contactar agencias y comenzar un diálogo, manteniéndolos al tanto de lo que estás trabajando hasta que estén listos para contratarte.

Estilo de vida: Messerschmidt dijo que no se dice lo suficiente sobre cuán exigente puede ser el trabajo. "El año pasado, solo dormí en mi cama 28 veces", dijo en una llamada telefónica a última hora de la noche desde una habitación de hotel en Filadelfia, donde estaba filmando un piloto con el director Ridley Scott. "Es muy divertido cuando tienes 22 años, es muy difícil cuando tienes 40. Y sabes, ejerce presión sobre tu vida personal, cambia tus relaciones, afecta las circunstancias de tu vida de una manera que un 'regular' trabajo' no....

"No significa que no pueda ser grandioso. En mi experiencia, lo es. Pero también es un desafío".

¿Cuál es un buen consejo?

Ir a festivales de cine para hacer networking. "Es donde verás cosas nuevas", dijo Varese. También tendrás la oportunidad de conocer los cerebros de las personas detrás de las películas que se muestran allí.

Póngase en contacto con otros directores de fotografía. Kelly dijo que dudaba en hacerlo al principio de su carrera, y ahora desearía haber comenzado antes. Los compañeros profesionales pueden ser una buena fuente de consejos sobre cómo manejar las situaciones que surgen en el trabajo, dijo, ya sea un desafío técnico o un problema de personal.

Maddox-Upshaw dijo que debe asistir a cualquier evento en el que los directores de fotografía hablen sobre sus experiencias. Y Karcey sugirió ir a seminarios y eventos organizados por fabricantes de equipos, "donde es básicamente una clase magistral gratuita" sobre cómo funciona el equipo y la ciencia detrás de él.

Trabaja para una casa de alquiler. Hurlbut comenzó en una ventanilla única para equipos de filmación, donde pudo probar cámaras y luces durante los fines de semana. "Ese fue un hermoso campo de entrenamiento para mí", dijo, y agregó que las casas de alquiler también son un buen lugar para aprender sobre las rutinas y los protocolos establecidos de los asistentes de cámara, gaffers y agarres clave que entran.

No busques atajos. "Tienes que hacer tu tiempo", dijo Hurlbut, y agregó que es una buena idea trabajar en una variedad de géneros. "Necesita estar en el campo usando estas [herramientas] y comprender lo que hacen para poder obtener la experiencia necesaria para avanzar".

Excepto que hay un atajo en la unión. Puede unirse como técnico digital, el equivalente digital de un cargador de películas, sin haber trabajado horas en el set. De esa manera, dijo Hurlbut, puede tener beneficios sindicales mientras sube de rango. Después de haber trabajado horas como director de fotografía (u otro puesto en el departamento de cámaras), puedes solicitar que te reclasifiquen.

Habla sobre tu objetivo profesional. "Solo tienes que ponerte ahí fuera", dijo Nelson. "A veces es incómodo, es incómodo, es vergonzoso. Luego, cuanto más lo haces, se convierte en una segunda naturaleza y te das cuenta de que te estás defendiendo a ti mismo".

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Este artículo fue publicado por primera vez en Los Angeles Times en Español.