Todas las nominadas al Oscar a mejor película del 2023 clasificadas, de peor a mejor

Los nominados al Oscar a la mejor película de este año incluyen dos adaptaciones literarias, dos secuelas de gran éxito, dos películas con títulos que muestran alguna variación de la palabra "alquitrán", dos películas con naufragios violentos, dos películas con burros maltratados y dos biografías de celebridades (aunque solo si usted cuenta "Tár", como estoy tentado a hacer). Haz con esa información lo que quieras; mientras tanto, y de acuerdo con la boleta preferencial utilizada para esta categoría tan importante, voy a clasificar a las 10 nominadas a mejor película, en orden de peor a mejor. Aquí están:

10. ‘Elvis’

No es una mala lista de nominados que toca fondo con una película tan grandiosa, ambiciosa y rebelde como ésta. Como una pareja de cineasta maximalista y sujeto más grande que la vida, la nota de mezcla estridente y tachonada de diamantes de imitación de Baz Luhrmann al Rey del Rock 'n' Roll es sin duda uno de sus esfuerzos más fuertes, y uno que logra, a través de pura intensidad grandilocuente, para superar las trampas de tantas biografías de artistas de la cuna a la tumba concebidas indiferentemente. Por desordenado y reductivo que sea, no puedes acusar a “Elvis” de indiferencia, o de falta de pasión o convicción. Tampoco se puede culpar a Austin Butler, dando uno de los mejores papeles de estrella biográfica nominados al Oscar en la memoria reciente; por más apegado que pueda estar al acento de Elvis fuera de la pantalla, nunca se conforma con la imitación fácil.

Aún así, la actuación de Butler sería aún mejor si tuviera el beneficio de la atención total de Luhrmann. Y de todos los errores de cálculo en este pantano de melodías desencadenadas y una cinematografía extravagante, a menudo agradablemente indisciplinada, ninguno es más desconcertante que la decisión de contar la historia de Elvis desde la perspectiva del Coronel Tom Parker. Parker, interpretado por Tom Hanks n una de sus interpretaciones más gratificantes, emerge como un villano que distrae de forma tan opresiva que quizás te preguntes si debería haber sido incluido en el título.

9. ‘Everything Everywhere All at Once’

Probablemente esperabas encontrar este más abajo; honestamente, yo también lo hice. Pero aquí es donde la mercurial comedia de acción y artes marciales de Daniel Kwan y Daniel Scheinert aterriza en este momento, en este universo, y en la estimación de este crítico: es un escaparate espléndido que abarca la carrera de Michelle Yeoh, un gran impulso profesional para Michelle Yeoh. Ke Huy Quan, un golpe para la representación de la madre asiática (un tema cercanoy querido para mi corazón chino-estadounidense) y un bienvenido recordatorio de que las películas de acción que presentan saltos cósmicos entre universos paralelos no tienen por qué ser dominio exclusivo de las películas de Marvel.

Las fortalezas de “Everything Everywhere” son obvias, porque casi todo es obvio. También lo son sus debilidades, entre las que destaca un enfoque conceptual tan vertiginoso y decididamente frenético que me resulta difícil, incluso después de varios veces de verla, lograr un punto de apoyo emocional. Claramente, no hablo por todos en ese aspecto, como lo demuestra el éxtasis desmayado (y, a veces, la furia intimidante) de sus fanáticos más apasionados, muchos de los cuales lloran en el momento justo en la frase característica de la película: "En otra vida, realmente me habría gustado lavar la ropa y hacer los impuestos contigo”. Pero incluso ese momento me parece un ejemplo de lo memeable sobre lo significativo, una apuesta por la catarsis que, en medio de todas las travesuras de los ojos saltones, de los saltos de versos de la historia, nunca se siente completamente ganada. Puedes admirar el entusiasmo con el que los Daniels tiran todo a la pared y al mismo tiempo concluyen que, aparte de la actuación de Yeoh, no mucho de eso se mantiene.

8. ‘All Quiet on the Western Front’

Cómo el drama de la Primera Guerra Mundial de Edward Berger impresionantemente montado se convirtió silenciosamente en la llave más fuerte de Netflix en los premios, mientras que los aspirantes de mayor perfil como "Blonde" y "Bardo" quedaron en el camino críticamente destrozados, puede ser uno de los giros menos previsibles de esta temporada. Hay muchas razones para la tranquila ascendencia de "All", incluida la importancia absoluta de la novela seminal de Erich Maria Remarque, que ya rindió un premio a la mejor película hace más de 90 años, y que finalmente ha producido una pantalla adecuada en idioma alemán. adaptación casi un siglo después de su publicación. A medida que vemos los horrores de la guerra en Ucrania y en otras partes del mundo, hay una resonancia incorporada en cualquier historia que analice la maquinaria sin sentido y demoledora del conflicto armado.

También está, por supuesto, la innegable destreza e inteligencia de la película de Berger, cuyas agonizantes secuencias de guerra de trincheras están escenificadas con una comprensión visceral de lo que las llamas, los proyectiles y los cuchillos pueden hacerle a la carne humana. El contundente virtuosismo del cine de Berger, que a veces asiente hacia las conflagraciones de la magistral "Come and See" de Elem Klimov, plantea la eterna pregunta de si una película de combate puede realmente llamarse una película contra la guerra, incluso si los propios sentimientos de Berger nunca están en juego. duda. Desafortunadamente, es la insistencia de la película en dejar muy claros esos sentimientos lo que finalmente la detiene: este "Todo tranquilo en el frente occidental" sería aún más fuerte sin sus cortes continuos a las negociaciones alemanas detrás de escena: una subtrama contextualmente informativa aunque temáticamente redundante. , notablemente ausente del libro, que con demasiada frecuencia nos saca del infierno físico y psicológico de sus soldados.

7. ‘Top Gun: Maverick’

Soy consciente de lo ridículo que es saltar de una película contra la guerra a una agresivamente pro-militar, pero de tales contradicciones se hace cualquier alineación de mejor película de gran alcance. Ahora también estamos entrando en la parte de la secuela de esta lista, que habría sido aún más sólida si "Black Panther: Wakanda Forever" y/o "Glass Onion: A Knives Out Mystery" hubieran hecho el mejor corte de película, como algunos sospechaban, podría. Las mentes cínicas podrían concluir que la academia optó por “Top Gun: Maverick” y “Avatar: The Way of Water” debido a sus asombrosos miles de millones de taquilla, y es posible que tengan razón. En un momento en que la asistencia al cine rara vez ha parecido estar más en peligro, es fácil imaginar a los votantes gravitando hacia los monstruos comerciales que mantuvieron viva a la industria, incluso si las inevitables consecuencias de Hollywood (más películas y secuelas sobrepresupuestadas masivamente, y muy poco más) sugieren la más pírrica de las victorias.

Pero también hay otra dinámica en juego. Estas son dos de las secuelas de gestación más prolongada en la memoria reciente, lo que habla del considerable cuidado y pensamiento que se ha invertido en su creación, así como de su negativa a dar por sentada la inversión de la audiencia. Y en el caso de "Top Gun: Maverick", esa negativa ha dado como resultado una secuela que, si bien es mucho menos sudorosamente icónica que su predecesora de 1986, se convierte, en manos del director Joseph Kosinski, en una experiencia marcadamente más rica y emocionalmente más completa. Es un placer ver a Tom Cruise regresar a uno de sus papeles característicos, que muchos esperaban que le otorgara su primera nominación como actor desde "Magnolia" de 1999, y verlo eclipsado por la actuación rompecorazones de una escena de Val Kilmer. Pero lo que le da a “Top Gun: Maverick” su toque específico es la forma en que convierte la aviación naval en su propia metáfora cinematográfica. En su esperanza por la nueva generación pero su negativa a abandonar la vieja, su creencia de que las tecnologías aparentemente anticuadas aún pueden ser fuentes de placer, logro e incluso salvación, es una expresión profundamente sincera de fe en las películas, su pasado y su futuro. .

6. ‘Avatar: The Way of Water’

Si James Cameron hubiera ideado de alguna manera una forma de ambientar toda su maldita película bajo el agua, tal vez obligando a sus actores a contener la respiración durante horas (en lugar de meros minutos) a la vez, esta inmersión frecuentemente asombrosa en el gran azul más allá podría haber colocado aún más alto. Al igual que los adolescentes Na'vi que vemos explorando su nuevo hogar oceánico, podría haber pasado horas nadando por el fondo del mar, observando con la boca abierta como una infinita variedad de peces alienígenas pasaban nadando. En estos momentos, el sueño trastornado de Cameron de una inmersión sostenida en un mundo de maravillas naturales pero totalmente artificiales se realiza de manera emocionante, quizás insuperable. Ya no contento con ser el rey del mundo, se ha convertido en la deidad de su propio universo, y si "Avatar: The Way of Water" es simplemente su último acto de arrogancia monumental, su deleite en sus poderes de creación resulta terriblemente contagioso.

El resto de la película no siempre es tan apasionante, pero transporta de todos modos: Cameron nunca será un gran estilista de diálogos, pero uno de los cargos más frecuentes en "Avatar: The Way of Water": su falta de narrativa. complejidad o impulso, me parece francamente una explicación de por qué funciona tan bien como lo hace. El mundo aquí es y siempre será la historia, y las luchas de una familia amorosa y unida para dominar su nuevo entorno y sobrevivir a una amenaza peligrosa son todas las complicaciones que necesita. ¿Necesitamos las secuelas que se avecinan, los viajes de regreso a Pandora que se avecinan? No estoy convencido, pero cuando se trata de convencer a los escépticos, Cameron está solo.

5. ‘The Banshees of Inisherin’

Soy pésimo para las predicciones, aunque si me obligaran a llamar a esta carrera hoy, diría que es un sorteo entre dedos de hot-dog ("Everything Everywhere All at Once") y dedos cortados ("The Banshees of Inisherin"). . Es especialmente revelador que ambas películas hayan recibido cuatro nominaciones de actuación cada una, un logro poco común para cualquier película, y mucho menos para dos en el mismo año. Y si bien "Everything Everywhere" podría tener el toque de espíritu de la época (además de la mayor cantidad de nominaciones), sospecho que la mayoría de los votantes encontrarán que la comedia negra deliciosamente escrita e interpretada por Martin McDonagh es la propuesta más aceptable. Esta historia de una amistad que se desintegra en una comunidad irlandesa insular es ese raro escaparate de actores de escala íntima que logra, en las vistas de la hermosa cinematografía de Ben Davis, una medida real de peso cinematográfico.

No estoy enamorado de cada decisión narrativa que hace McDonagh, especialmente en los pasajes finales; su confianza en la violencia (incluido un episodio de crueldad animal completamente ficticio pero aún perturbador) huele a labia, a un fatalismo cómico que no suena del todo cierto. Pero eso no quita nada a la brillantez salada de los diálogos, la destreza de las interpretaciones o el placer de ver la fuerza imparable de Colin Farrell chocar una y otra vez contra el objeto inamovible de Brendan Gleeson. En general, se reconoce, con razón o sin ella, que "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri" de McDonagh estuvo a punto de ganar el premio a la mejor película en 2018. "The Banshees of Inisherin" puede enfrentar probabilidades aún mejores, como corresponde a una película significativamente mejor.

4. ‘Triangle of Sadness’

También es apropiado que una película llamada “Triangle of Sadness” ("Triangulo de tristeza") obtenga tres nominaciones (para película, director y guión original), aunque en realidad debería haber obtenido al menos cuatro: la ausencia de la espectacular actuación de Dolly de Leon en la carrera de actriz de reparto, aunque no me sorprendió, fue para mí uno de los resultados más pésimos, y sí, más tristes, de la mañana. Su omisión se siente aún más evidente dado el fuerte apoyo a la epopeya de Ruben Östlund sobre los excesos del capitalismo tardío y la lucha de clases en alta mar, que se estrenó con una recepción crítica dividida en el Festival de Cine de Cannes pero, sin embargo, terminó ganando la Palma de Oro. 'O. Esa yuxtaposición de amor y aversión parece estar a la par del curso de estos días para Östlund: ¿Es un artista o un golpeador? ¿Un artista de derribos brillante o uno terminalmente presumido y autoindulgente?

Tal vez haya presunción en “Triangle of Sadness”, aunque para mí está neutralizado por un deleite alegre y curiosamente vigorizante en los absurdos del comportamiento humano en todo el espectro de raza, clase y género; la película puede reservar su desprecio más agudo para las clases multimillonarias e influyentes, pero tiene el aguijón de una acusación colectiva. En cuanto a la indulgencia: en la segunda visualización de esta película de 140 minutos, la inteligencia de su construcción de efecto dominó y la modulación de sus infames secuencias asquerosas se sintieron aún más evidentes. Östlund es un mago de la coreografía y la puesta en escena, y su comprensión innata de la dinámica de causa y efecto es lo que le da a “Triangle of Sadness” su fuerza satírica. O, como articuló tan astutamente el crítico Michael Sicinski: "Si construyes un mundo en el que todos tienen un lugar asignado, es sorprendentemente fácil llevar ese mundo al caos total".

3. ‘Women Talking’

Given the seemingly diminished enthusiasm for Sarah Polley’s fourth feature in the months after its well-received premieres at the Telluride and Toronto film festivals, I’m relieved that voters came through for “Women Talking,” even if — for the first time since 2020 — they clearly don’t care much for women directing. Nor, apparently, could they settle on any consensus favorites from perhaps the year’s mightiest acting ensemble. My own picks would have been Sheila McCarthy and Rooney Mara, though the uniformity of thespian excellence that Polley achieves here makes it nearly impossible to choose among them, and also easy to overlook the greatness of her achievement.

Dado el entusiasmo aparentemente disminuido por el cuarto largometraje de Sarah Polley en los meses posteriores a sus bien recibidos estrenos en los festivales de cine de Telluride y Toronto, me alivia que los votantes se acerquen a "Mujeres que hablan", incluso si, por primera vez desde 2020, claramente no les importa mucho que las mujeres dirijan. Aparentemente, tampoco pudieron conformarse con ningún favorito de consenso de quizás el conjunto de actuación más poderoso del año. Mis propias elecciones habrían sido Sheila McCarthy y Rooney Mara, aunque la uniformidad de la excelencia teatral que Polley logra aquí hace que sea casi imposible elegir entre ellas, y también es fácil pasar por alto la grandeza de su logro.

Tal vez así debería ser: al abordar la novela poderosamente argumentada de Miriam Toews sobre la agresión sexual, la responsabilidad y la supervivencia en una colonia menonita, "Mujeres que hablan" continuamente minimiza e incluso oscurece su propia grandeza. Desde su paleta de colores apagados y desagradables hasta sus actuaciones estrictamente controladas, todo lo que nos muestra se pone al servicio riguroso de preguntas e ideas en brillante cascada: ¿Cuál es el costo y el valor del perdón? ¿Cómo logran las mujeres una libertad que apenas se les ha permitido imaginar? Polley no profundiza en estas preguntas; ella sabe que con pedirlas es suficiente, y su confianza en su propia economía es sorprendente. En un año de tiempos de ejecución inflados de más de dos horas y media, "Mujeres que hablan" es, con 104 minutos, la más corta de las nominadas a mejor película de este año, y la única que desearía que fuera más larga. ¿No se merece un Oscar solo por eso?

2. ‘The Fabelmans’

En la clasificación de las mejores películas del año pasado, ubiqué a "West Side Story" de Steven Spielberg en el tercer lugar y noté, no por primera vez, que nuestro cineasta vivo más popular estaba en peligro de ser curiosamente subestimado. Un año después, avanza un puesto más con "The Fabelmans", y el punto sobre la vitalidad de su carrera tardía, y su subestimación continua, es más cierto que nunca. Eso podría cambiar en varias semanas, por supuesto: en un año sin un solo contendiente dominante en la carrera por la dirección, sospecho que Spielberg tiene una oportunidad tan buena como siempre de ganar su tercer Oscar en esa categoría, incluso si los votantes deciden buscar en otro lugar para el ganador de la mejor película.

Pero, ¿y si no lo hicieran? ¿Qué pasaría si simplemente se lo dieran a "The Fabelmans", no solo como un galardón a la carrera de Spielberg, sino como un reconocimiento de la historia singularmente hermosa, ágil, vibrante, generosa, divertida y dolorosa que está contando aquí? El hecho de que la historia sea suya le da, por supuesto, una rica dimensión personal, aunque como nos recuerda esta película, Spielberg nunca ha sido un cineasta impersonal: ha estado canalizando sus sueños, recuerdos y deseos en la pantalla durante décadas. Y aunque "The Fabelmans" ofrece una especie de hoja de ruta profesional, es mucho más que la caza de huevos de Pascua glorificada de "Indiana Jones" que podría haber parecido en el papel. También es una obra mucho más dura y menos sentimental de lo que algunos podrían haber esperado de Spielberg; nunca antes se había cuestionado tan profundamente el poder de las películas para ocultar y fabricar, o su propio e inquietante dominio de ese poder. Como declara Judd Hirsch en una escena crucial: “El arte te romperá el corazón”. Michelle Williams y Paul Dano también lo harán.

1. ‘Tár’

No estoy seguro de lo que dice que mis dos favoritas entre las nominadas a mejor película de este año son retratos extensos pero minuciosamente detallados de grandes artistas: uno al comienzo de su carrera, otro acercándose rápidamente al posible final de la de ella, tanto masterizando como probando. los límites de su notable control. Pero lo que une a ambas películas, a pesar de todas sus disparidades de tono y entorno, es la sensación de que cada artista habita un mundo plenamente realizado. Y en “Tár”, el retrato elegantemente relajado de Todd Field de una renombrada directora llamada Lydia Tár, el mundo enrarecido de la música clásica cobra vida casi panorámica en una serie de piezas construidas, escritas, dirigidas e interpretadas con una bravura genuinamente sinfónica. Puede que esto no sea (perdonen el uso excesivo de la expresión) una carta de amor al cine, pero es, en sus sinuosas tomas largas y fantasmagóricos largos, cinematográfico hasta la médula: por todo lo que puede deberse a Stanley Kubrick y Michael Haneke, también evidencia un dominio intrépido del medio más allá de lo que Field ha demostrado hasta ahora.

Mucho, y de alguna manera, todavía no lo suficiente, se ha escrito sobre la brillantez de la actuación principal de Cate Blanchett. (No se ha escrito lo suficiente sobre sus coprotagonistas Nina Hoss y Noémie Merlant). Pero incluso Blanchett deriva parte de su poder del puro entusiasmo de la construcción del mundo de Field, su intrincada comprensión de cómo funcionan las esferas personal y profesional de Tár. Los espacios a los que nos conduce —un escenario del New Yorker Festival, un aula en Juilliard, la sala de conciertos de la Filarmónica de Berlín— difícilmente podrían ser más concretos en sus detalles. Pero no hay nada rígido en las ideas que se arremolinan en esos espacios: sobre la cultura de la cancelación y el #MeToo, sobre el canon occidental y los artísticamente marginados, sobre las corrupciones del poder y la naturaleza irreductible del gran arte. “Tár” es irreductible, y es genial.

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Este artículo fue publicado por primera vez en Los Angeles Times en Español.