Soul: Por qué la nueva película de Pixar logró hacer lo que ninguna otra había hecho con el jazz

Hollywood rara vez hace películas sobre el jazz. En las películas, como en la vida, el jazz es algo que retumba de fondo, generalmente ignorado, el telón de fondo de una historia de amor, crimen, asesinato o farsa. El jazz es Louis Armstrong actuando en un elegante restaurante al final de Hello, Dolly! mientras Barbra Streisand intenta cortejar a Walter Matthau. El jazz es Jack Lemmon y Tony Curtis que se unen a la banda de baile femenina de Marilyn Monroe en Some Like It Hot ; es Will Ferrell haciendo cabriolas en un restaurante con una flauta en Anchorman ; es la aparición surrealista de Count Basie Orchestra en Blazing Saddles; es Tom Cruise en un club de jazz en Collateral de Michael Mann, disparando a Barry Shabaka Henley en la cara mientras relata una anécdota de Miles Davis.

Incluso con bandas sonoras de Hollywood, el jazz puede tener innumerables efectos en la audiencia. Puede ser inquietante (como la partitura burlona de Alex North en A Streetcar Named Desire); o hip (como la elegante banda de bebop que Burt Lancaster está tratando de difamar en The Sweet Smell Of Success); o aterrador (el inquietante subrayado de Ornette Coleman en El almuerzo desnudo de David Cronenberg); o soñadoramente nostálgico (los anhelosos estándares del jazz utilizados en innumerables películas de Woody Allen). O, en la última incorporación al canon del jazz de Hollywood, la animación Soul, puede una afirmación maravillosa y extasiada de la vida.

El último éxito comercial y crítico de Pixar se desarrolla en la Nueva York de los últimos tiempos y se centra en Joe (con la voz de Jamie Foxx), un profesor de banda de secundaria que ha inspirado a muchos estudiantes a lo largo de los años, pero que anhela ser músico profesional de jazz por derecho propio y que se ve obligado a reevaluar sus ambiciones después de caer por una alcantarilla. Más que cualquier película de acción real, Soul logra (literalmente) tocar todas las notas correctas cuando se trata de su interpretación del jazz. La meticulosa práctica requerida, la mecánica de la improvisación, la relación telepática entre los miembros de la banda, la extasiada, como en trance, experiencia extracorporal disfrutada por el músico y el público por igual, todo está bellamente representado en las escenas de actuación, que explotan las posibilidades de la animación que alteran el tiempo y nos transportan a reinos superiores. En un siglo de cine, ninguna película ha logrado esto.

El jazz y el cine surgieron casi al mismo tiempo y han soportado una relación levemente disfuncional desde el primer cine sonoro (que resultó ser The Jazz Singer de Al Jolson en 1927). Cuando el jazz todavía era la música popular de su época, Hollywood solía hacer biopics basados en sus estrellas: Benny Goodman, Glenn Miller, Gene Krupa, Nat King Cole, WC Handy, Red Nichols, Tommy Dorsey, Bix Beiderbecke, pero con frecuencia eran ridículos. No esperarías que Hollywood explorara la política racial del jazz en las décadas de 1940 y 50, pero estas películas blanquearon el jazz tan a fondo que apenas creerías que hubo afroamericanos involucrados. Tomemos como ejemplo la Nueva Orleans de 1947. Lo que se suponía que era una historia del jazz contada a través de la vida de Louis Armstrong terminó siendo sobre el romance entre el dueño de un casino mexicano y una socialité que cantaba ópera.

A medida que el jazz retrocedía hacia los márgenes de la vida estadounidense, las biografías de jazz comenzaron a convertirse en estudios de la agitación emocional. Para Round Midnight de 1986, el director Bernard Tavernier inicialmente hizo sonar a Archie Shepp y Sonny Rollins para interpretar el papel principal, pero decidió que ambos parecían demasiado saludables y bien adaptados para representar a un expatriado estadounidense clínicamente deprimido en París (basado libremente en el saxofonista Lester Young ). En cambio, Tavernier usó el marco gruñón y desgarbado de Dexter Gordon, quien agregó un aire de realismo al escribir algunos de sus propios diálogos y narrar su propia obsesión fatal con su arte. Bird, la película biográfica de Charlie Parker de Clint Eastwood en 1988, es otro estudio impresionista del artista torturado, con Forest Whitaker soberbio como el genio adicto a la heroína que murió a los 34 años.

Estas películas eran a menudo el resultado de "la mirada blanca": escritores y directores blancos que objetivaron a los artistas negros. Pocas fueron realizadas por cineastas negros. Eso es algo que el escritor y director Spike Lee intentó confrontar en Mo 'Better Blues de 1990, que presenta el jazz contemporáneo como una batalla racializada entre músicos negros y propietarios blancos (un eco del fracaso subestimado de Francis Ford Coppola de 1920 The Cotton Club, realizado en 1984). Pero Lee no le hizo ningún favor a la película al contratar a John y Nicholas Turturro para interpretar a dos propietarios de clubes nocturnos judíos ridículamente caricaturizados, lo que invocó la ira de la Liga Antidifamación.

Mientras tanto, Don Cheadle, el escritor, director y estrella de Miles Ahead de 2015, demostró que podía hacer una película biográfica que fuera tan tonta como cualquier cosa que Hollywood produjera en la década de 1940, en este caso, una que transforma a Miles Davis en la figura principal de una película de atraco caricaturesca, intentando recuperar sus cintas maestras de una compañía discográfica malvada.

Miles Ahead llegó justo cuando el jazz parecía estar teniendo otro momento de Hollywood, pero seguían existiendo problemas con la forma en que se representaba la forma de arte. Lanzado en 2014, el éxito de culto Whiplash presenta el jazz como una búsqueda puramente atlética, una cuestión de velocidad y volumen. El turno ganador del Oscar de JK Simmons como el brutal profesor de música bien podría ser el sargento de instrucción en Full Metal Jacket . Aparentemente, la historia se inspiró en las experiencias de la vida real del escritor y director Damien Chazelle en una banda escolar, pero no da una idea de la colaboración, la escucha atenta y el rigor artístico que requiere cualquier músico de jazz en ciernes.

La continuación de Whiplash de Chazelle, La La Land de 2016, se acerca a ese espíritu cuando el pianista de jazz de Ryan Gosling, Sebastian, narra una banda de jazz en pleno flujo. “Cada uno de estos tipos está componiendo, reorganizando, escribiendo y tocando la melodía”, explica a Mia de Emma Stone. "Es conflicto y compromiso, y es nuevo cada noche".

Sin embargo, en una historia basada en la integridad del artista de jazz contra el mundo superficial y rapaz de la música pop comercial, los ejemplos reales de la música de Sebastian son desconcertantemente pobres: nada de lo que toca como músico de jazz es "más profundo" o más interesante que cualquier otra cosa. La La Land, con su convincente narrativa y su lúgubre partitura, sufre el problema opuesto al que se enfrentaron películas anteriores como Paris Blues de 1961, donde el guion no tiene remedio pero la música (proporcionada por Duke Ellington) es excelente.

Sin embargo, se siente que el cambio está en marcha. Así como el jazz parece haber sido rejuvenecido en los últimos años por una generación joven y diversa de músicos a ambos lados del Atlántico, parece que una generación joven y diversa de cineastas está encontrando nuevas formas de explorar el jazz en la pantalla. Junto a Soul, otras dos películas de 2020 con temas de jazz, escritas y dirigidas por cineastas afroamericanos, son piezas de época que utilizan el jazz como un medio para explorar cuestiones raciales. Sylvie's Love, escrita y dirigida por Eugene Ashe, trata sobre un ambicioso dependiente de una tienda de discos (interpretado por Tessa Thompson) que se enamora de un saxofonista de jazz (interpretado por Nnamdi Asomugha). La música, sin embargo, es incidental a su historia de amor, anhelo, separación y reencuentro, no más esencial para la trama que las escenas callejeras de Mad Men, recreadas con cariño, de Harlem de principios de la década de 1960.

Mejor es la producción de Netflix Ma Rainey's Black Bottom, centrada en la temible cantante de blues de Chicago Ma Rainey. Nunca escapa del todo a sus raíces como producción teatral pero, ayudado por las destacadas actuaciones de Viola Davis y Chadwick Boseman, dramatiza con éxito las tensiones en una sesión de grabación de 1927, tensiones tanto dentro de la banda como en la sociedad en general. La banda sonora de la película, del saxofonista Branford Marsalis, ciertamente le da vida a la maravillosamente estridente y profana música de Rainey, pero la película no se relaciona con la música tan efectivamente como Soul.

Para Soul, Pixar incorporó al pianista de jazz y R&B Jon Batiste como director musical, y sus sesiones se mapean minuciosamente en las animaciones, lo que le da a las escenas en los clubes de jazz y aulas un verdadero sentido de autenticidad. Soul también tiene un codirector negro y varios protagonistas afroamericanos clave, pero no es una película que sea "sobre" la raza, al igual que no es realmente "sobre" el jazz. La música simplemente ayuda a este estudio universal del arte, la educación, la inspiración, la resiliencia humana y la noción misma de "carácter". Al utilizar el jazz como metáfora de la vida y la vida como un análogo del jazz, puede que sea la mejor película de jazz de Hollywood. La forma de las películas de jazz por venir, quizás.

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